Calendrier des événements - Maison de la danse

House dance : la French touch féminine. 

Référence mondiale de la house dance, Ousmane Sy a créé en 2012 Paradox-Sal : un crew français 100% féminin. Le chorégraphe y rassemble des danseuses aux parcours variés pour leur enseigner les subtilités de cette danse fluide et rapide, mélange de hip hop et d’influences diverses — afro, hype, dancehall… Dans One Shot, il réunit des danseuses du crew et des artistes invitées qui affirment une singularité créative en fusionnant la house dance avec leurs pratiques tels le krump, le popping, le flamenco et la danse contemporaine. L’écriture déjoue les clichés de la féminité tout en révélant leur puissance, laissant éclater un jeu chorégraphique empreint de sororité où la confrontation des styles est un pur plaisir.

Des histoires d’art dansées par une sacrée bande de performeuses. 

Depuis ses débuts, Gaëlle Bourges va puiser dans l’histoire de l’art pour mieux débusquer les préjugés et les clichés autour du féminin. Non sans ironie, elle y mêle ses obsessions, des bribes de sa vie personnelle pour (dé)tricoter une certaine vision des femmes et (subtilement) déboulonner le patriarcat. Ludique et charmant !

Le Brésil à fleur de peau ! 

Conjuguant la grâce du classique au swing brésilien, la São Paulo Dance Company enflamme la scène avec un programme de quatre pièces orchestré par des chorégraphes américains et brésilien·ne·s. 

Un voyage au bout de l’ennui… joyeux et ludique !

Danseur et chorégraphe, Sylvère Lamotte, qui fut notamment interprète auprès d’Angelin Preljocaj et Karl Biscuit, développe un travail nourri d’un goût pour la création collective et d’une recherche sur les portés et la danse contact. Pour son Voyage au bout de l’ennui, il a puisé dans ses souvenirs d’enfance, retrouvant l’ennui des dimanches après-midi sans fin, ces laps de temps qui l’ont conduit vers la danse, le corps devenant un outil inépuisable de détournements poétiques. Déjouant les pièges du titre, il nous offre une odyssée collective remplie de pitreries et de rêves où six interprètes défient le temps avec des jeux d’enfants.

Un Fado sophistiqué et subversif. 

Invités pour la première fois à la Maison, chorégraphes et performeurs portugais parmi les plus inventifs de leur génération, Jonas&Lander se sont imposés avec des créations hybrides qui explorent la fusion des arts de la scène, avec un accent mis sur la musique. Bate Fado nous transporte au 19^e siècle à Lisbonne où le fado avait sa propre danse — le Fado Batido ou Fado battu — inspirée d’une danse à claquettes énergique et virtuose. 

Une œuvre sidérante de créativité ! 

Procession infinie de treize corps dansants et chantants, t u m u l u s est le fruit d’une collaboration exceptionnelle entre le chorégraphe et chanteur François Chaignaud et le musicien Geoffroy Jourdain, directeur de l’ensemble Les Cris de Paris, illustrant leur désir d’éprouver et penser ensemble danse et musique. À la fois tombe et paysage, ce tumulus est au cœur de la scène, traversé par une communauté d’artistes célébrant la vie dans une cérémonie solennelle ou joueuse, vêtue de costumes changeants qui transcendent leur métamorphose. Composé d’un répertoire où se mêlent chants polyphoniques de la Renaissance et chœur contemporain, terreau d’imaginaires pour les voix, la musique est une trace qui circule entre les interprètes, les reliant dans une aventure pleine d’émotions collectives.

Un flamenco rebelle et politique.

Après le bouleversant ¡Fandango!, le Sévillan David Coria revient avec Los Bailes Robados, un flamenco contemporain empreint de cris et de révoltes, soutenu par des jeux vocaux et sonores remarquables. 

Accompagné de sept interprètes d’exception dont le maître du chant flamenco David Lagos et la violoncelliste Isidora O’Ryan, il nous invite à un pas de deux avec la vie, avec des êtres aux corps ondulants qui, du chaos à l’harmonie, s’engagent dans une gestuelle hypnotique et vibrante. 

Un solo tumultueux et hors du temps. 

Premier volet de la trilogie des Contes immoraux, Maison Mère est un uppercut ! Créé en 2017 à la documenta de Kassel, ce spectacle ne ressemble à aucun autre. À l’instar de sa créatrice Phia Ménard, circassienne-plasticienne qui n’a de cesse de retourner et détourner les objets et les codes. Jongleuse au départ, formée par Jérôme Thomas — un des maîtres en la matière — elle a développé au fil des ans un imaginaire singulier qui travaille les formes et les matières. Dans Maison Mère, elle construit un temple de carton, toute seule, telle une déesse queer. 

Danser avec l’invisible.

Le public de la Maison connaît bien Aurélien Bory puisqu’il avait été accueilli dès son deuxième spectacle Plan B, devenu un tube de la Compagnie 111. On y découvrait un jeune artiste en butte avec son environnement qui marquait déjà un goût prononcé pour l’espace et sa reconfiguration. Le voilà qui revient avec sa dernière production, qui sera créée cet automne à Palerme, dans le théâtre qui avait accueilli en son temps le célébrissime Palermo Palermo de Pina Bausch. Cette pièce a profondément marqué l’artiste et infuse sa dernière création qui traite des liens invisibles qui se tissent. En partant de la question « Est-il possible d’envisager le théâtre en angle droit, un regard oblique, comme une danse avec l’invisible ? » et du tableau L’Annonciation de Palerme d’Antonello de Messine, Aurélien Bory entrelace danse, théâtre, vidéo et musique dans une histoire de la Sicile où les destins se croisent…

L’amour du jonglage et du mouvement.

Le must du jonglage britannique, ce sont les Gandini Juggling. Créée en 1992 par Sean Gandini et Kati Ylä Okkala, cette compagnie tourne sur les scènes du monde entier — mais aussi sur les places, dans des stades, des galeries d’art. Depuis 30 ans, la pensée du chorégraphe américain Merce Cunningham les accompagne. Pas étonnant que les artistes aient eu envie de s’inspirer de son univers pour leur dernière production, LIFE. Sous-titrée A Love Letter To Merce Cunningham, elle rend hommage au maître de l’abstraction et puise dans ses principes de composition, comme le hasard et le mouvement pur, tout en réinventant de nouvelles architectures dans l’espace et un univers singulier. 

Filet de tennis tendu en avant-scène, tableau de score et coups de sifflet : la scène est prête pour un match… qui n’aura jamais lieu. Revendiquant l’héritage des carnavals de son enfance au Cap-Vert, Marlene Monteiro Freitas préfère dérégler l’ordre des choses. Canine Jaunâtre 3 devient un jeu de LEGO, où les dix-sept interprètes, tous et toutes munies d’un identique dossard n°3, corps automates et gueules de dessins animés, sont soumis à des règles et des principes contradictoires. Faire, défaire, avancer, reculer : ces virtuoses magnifiques sans buts apparents, interchangeables et pourtant parfaitement identifiables, entraînent progressivement l’espèce humaine vers un territoire incertain, où les frontières se brouillent entre l’humain, l’animal et la machine. Un entraînement utile pour apprendre à remettre en cause nos trop confortables habitudes de perception.

Un voyage dansant et musical entre Afrique et Colombie.

Un cirque poétique et solidaire. 

Entre chiens et louves, nous plonge dans une épopée historique où se dévoile l’intimité de trois personnages vivant à différentes époques : 1870, 1960 et 2022. Retraçant leurs parcours, la pièce est une prodigieuse excursion dans le temps, remontant jusqu’à nos jours, qui évoque ces mémoires collectives dont nous sommes fait·e·s, remplies de révoltes et d’émancipations mais qui aujourd’hui encore nous divisent. Véritable témoignage sur la condition humaine, la pièce dessine un monde plein d’espoir, de corps qui se meuvent, et propose une mise en lumière des oublié·e·s qui ne demandent qu’à renaître. Conçue comme un film où les tableaux défilent, elle ouvre l’espace aux huit virtuoses qui nous embarquent dans une aventure épique où se mêlent comédie, acrobaties spectaculaires et numéros de danse, magnifiant avec ardeur une société humaine et solidaire !

Le nouveau génie de la danse flamande donne de la voix ! 

Jan Martens, artiste associé à la Maison de la danse, est un chorégraphe exigeant qui travaille et réutilise des idiolectes existants dans un contexte différent afin de permettre à de nouvelles idées d’émerger. Ainsi, il donne à ses interprètes des règles et des structures leur permettant d’inventer leurs propres gestes. Revenant à un format resserré de six interprètes, le chorégraphe anversois puise dans ce nouvel opus — qui pourrait marquer une rupture dans son travail — sa matière dans des musiques oubliées, en particulier les voix de femmes. Souhaitant « explorer le contraste entre des voix iconiques comme celles de Dua Lipa et de Madonna, et des voix relativement inconnues comme Anna Homler, Karen Dalton et Ruby Elzy », il cherche dans cette nouvelle création le détail et la subtilité. Avec quatre danseuses et deux danseurs, il invente une nouvelle définition de la grâce et de l’élégance.

Un moment fort d’une danse collective et explosive.

Lors de l’édition 2021 de la Biennale de la danse, le public avait découvert la performance Apaches de Saïdo Lehlouh, membre du collectif FAIR-E, aux Usines Fagor. Voici Témoin, la version scénique pour vingt interprètes, une explosion de fureur et d’élans, de lignes et de points dans l’espace. Tribu hétéroclite composée de personnalités diverses, elle donne à voir la beauté d’une danse instinctive et spontanée. Construite comme une architecture en mouvement, cette pièce cherche aussi à magnifier chacun et chacune dans sa singularité au sein du groupe. Grâce à une écoute sensible, les danseurs et les danseuses dessinent des trajectoires en groupe ou en solo, reconfigurent l’espace en permanence et tissent des connexions qui s’activent tel un réseau organique. Leur vitalité l’emporte tel un tourbillon d’énergie brute et sauvage.

Le chef-d’œuvre ultime de Dominique Bagouet ! 

Prodige de la Nouvelle danse française des années 80, Dominique Bagouet a bousculé tous les codes établis avec des œuvres d’une grande diversité, déployant un art pétri d’héritage classique aux lignes claires et rigoureuses et une gestuelle très sophistiquée. Créée en 1990 peu avant son décès des suites du sida alors qu’il n’a que 41 ans, cette pièce exprime une joie incommensurable de danser. Catherine Legrand, qui fut son interprète, la recrée en écartant la scénographie pop-art d’origine pour se concentrer sur la danse pure. 

Un sublime dialogue intime avec la musique de Keith Jarrett.

Chorégraphe américain, Trajal Harrell est un artiste protéiforme qui mêle allègrement street dance et pensée philosophique du genre, du décolonialisme et du féminisme. Connu grâce à une série au long cours Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church, ce chorégraphe facétieux et sensible cherche inlassablement à magnifier les êtres humains dans leur diversité. Et c’est exactement ce qui se produit dans The Köln Concert. S’appuyant sur l’album de jazz le plus vendu de tous les temps, le célèbre Köln Concert de Keith Jarrett, pianiste jazz virtuose et mondialement connu, Trajal Harrell et ses six complices déploient des danses individuelles à la croisée des genres, mêlant les mouvements de voguing, le théâtre nô, les peintures des vases de l’Antiquité grecque… 

Un conte acrobatique et musical. 

Après avoir enthousiasmés le public avec son show iD, le cirque québécois Éloize revient à Lyon avec Entre Ciel et Mer, pièce anniversaire conçue aux îles de la Madeleine où fut créée la compagnie en 1993. Au cœur d’une scénographie illustrant ce petit coin de paradis balayé par le vent et la mer, Michel-Maxime Legault met en scène un voyage inspiré de la ligne d’horizon qui sépare le ciel de la mer, faisant naître les histoires insulaires traversées par des générations d’acadiennes et d’acadiens, ravivées par le bruit des vagues et l’odeur du goémon. C’est sur cette ligne fragile que se posent, tels des funambules, les dix artistes acrobates et musiciens, basculant du monde réel à celui de l’imaginaire. Accompagnés du conteur Madelinot Cédric Landry dont les textes respirent la beauté des paysages et  de la culture acadienne, ils nous embarquent dans une excursion envoûtante où les contes légendaires sont magnifiés par des acrobaties de haute volée et une trame sonore enivrante.

Un programme intense et hypnotique.

Pour leur retour à Lyon, la compagnie présente un double programme signé Hofesh Shechter et Sharon Eyal, qui révèle la singularité de leur langage — les deux ayant fait leurs armes au sein de la célèbre Batsheva Dance Company. Dans sa nouvelle création, Hofesh Shechter déploie une écriture complexe portée par l’énergie du groupe où, dans un mouvement perpétuel, les corps cherchent des sensations extrêmes, laissant éclater des duos et solos empreints de fluidité et de puissance rythmique. Avec Saaba, Sharon Eyal expérimente la forme la plus primitive du mouvement, l’harmonie entre ensembles hypnotiques et solos troublants. Magnifiés par les justaucorps de Maria Grazia de la Maison Dior, dressés sur pointes, les corps se transforment en créatures hybrides aussi inquiétantes que sensuelles. Exceptionnel, ce programme réunit deux chorégraphes et une compagnie au sommet de la danse contemporaine !

Une photo de famille chorégraphique, à la croisée de toutes les danses ! 

Danseur, acteur, chanteur, metteur en scène, Mehdi Kerkouche est un artiste protéiforme qui aime les shows télévisés et chorégraphie pour les stars de la pop culture Angèle et Christine and The Queens. Après ses vidéos « confinées » vues des millions de fois sur les réseaux sociaux et une commande pour le Ballet de l’Opéra de Paris, son succès se concrétise en 2023 lors de sa nomination à la direction du CCN de Créteil et du Val-de-Marne. Passionné par ce qui se joue dans le collectif, il explore avec Portrait les rapports intrafamiliaux à travers des tableaux très expressifs, teintés de burlesque. Puissante, fluide et vibratoire, sa danse rassemble de jeunes artistes d’horizons différents — hip hop, street jazz, cabaret, contemporain, voguing, cirque — et fusionne les styles, galvanisée par une musique électro-pop envoûtante. 

La folle liberté de danser.

Figure historique de la Nouvelle danse française des années 80 qu’elle marqua notamment avec Le Défilé — création joyeuse et fantasque autour des costumes de Jean-Paul Gaultier — la chorégraphe Régine Chopinot imagine une pièce où explose le pur plaisir de danser. Démarrer au quart de tour et se lancer dans une danse énergique, physique et débridée, c’est le signal que donne « top ». Sur scène, un batteur, un guitariste et sept jeunes interprètes créent une communauté dansante portée par les percussions intenses et les riffs de guitare. Car le rythme est la clé de la danse, il provoque ce moment où le corps se met en mouvement, bascule et bouscule, se noue et se dénoue, en vibration. 

L’audace de la jeunesse ! 

Le jeune Ballet du Conservatoire national supérieur musique et danse de Lyon explore de nouveaux territoires chorégraphiques avec un programme conçu par sa directrice Kylie Walters, couronnant la formation des danseurs et danseuses avant leur envol professionnel. Quatre chorégraphes sont à l’honneur et allient des écritures précises et singulières. Ainsi la danse est rigoureuse et habitée pour Jan Martens, artiste associé de la Maison de la danse, avec any attempt will end in crushed bodies and shattered bones, pièce d’une rare intensité qui questionne notre pouvoir de résistance et de rébellion ; anatomique et primale, souvent au bord de la transe, avec Bill de Sharon Eyal, ex-interprète de la Batsheva et son complice Gai Behar ; plastique et inventive pour Aina Alegre dont la performance cherche à « réimaginer » corps ; enfin, virtuose et foisonnante avec Harris Gkekas, magnifique danseur de William Forsythe, qui crée une pièce pour le ballet classique. Audacieux, ce programme confirme le talent de jeunes artistes qui relèvent de nouveaux défis avec exigence et brio !